Arquitectura
Brunelleschi Filippo
Nació en Florencia el 15 de abril de 1377, donde recibió formación como orfebre.
Filippo Brunelleschi como tantos otros artistas del Renacimiento, fue un hombre muy polifacético, fue orfebre y arquitecto, inventor de la perspectiva y de las ruinas romanas, y además Filippo Brunelleschi como tantos otros artistas del Renacimiento, fue un hombre muy polifacético, fue orfebre y arquitecto, inventor de la perspectiva y de las ruinas romanas, y además buen conocedor del sistema constructivo gótico. Su nombre completo fue Filippo di Ser Brunelleschi Lippi, si bien se dedicaba con afán a la arquitectura, también practicó la escultura. Su obra más conocida y celebrada fue la cúpula de la catedral de Florencia, que terminó en 1436. Fue la más grande de su tiempo son armazón fija. De su manufactura también es el Palacio de Pitti, en su ciudad natal, modelo del palacio renacentista. s buen conocedor del sistema constructivo gótico. Su nombre completo fue Filippo di Ser Brunelleschi Lippi, si bien se dedicaba con afán a la arquitectura, también practicó la escultura. Su obra más conocida y celebrada fue la cúpula de la catedral de Florencia, que terminó en 1436. Fue la más grande de su tiempo son armazón fija. De su manufactura también es el Palacio de Pitti, en su ciudad natal, modelo del palacio renacentista.
Obra
Catedral de Florencia
Análisis Compositivo:
La cúpula de La Catedral de Florencia, está realizada con un sistema de nervios, al estilo gótico, que ofrecen un perfil apuntado, reforzados con ligaduras horizontales concéntricas, que forman una doble cúpula, con un espacio hueco que alivia el peso sostenido por el tambor.
FORMA: cúpula de perfil apuntado y planta octogonal. Su punto más elevado alcanza una altura sobre el suelo de 114 metros Su diámetro mayor es de 41,7 metros. Su peso se estima cercano a las 37.000 toneladas.
MÉTODO: obra arquitectónica realizada en piedra (la base), ladrillo macizo (la mayor parte de la estructura), mortero y otros materiales, destacando el mármol de los nervios y del revestimiento del tambor.
Análisis Histórico:
La obra de Brunelleschi es el resultado de la convocatoria de un concurso con el que se decidió el arquitecto que llevaría a cabo la nueva cúpula que cubriría el crucero del Duomo florentino, catedral realizada por Arnolfo di Cambio en estilo gótico. Aunque se otorgó el triunfo, de manera conjunta a Ghiberti y Brunelleschi sería éste quien finalmente asumiría el reto de levantar esta novedosa estructura que acabaría realzando el nombre de Florencia, en la que la familia Médici comenzaba a destacar ya como principal linaje de una ciudad a la que las actividades económicas (sobre todo comerciales y bancarias) estaban llevando ya a un momento de gran esplendor, apreciable no sólo en esta magna construcción y otras realizadas por el mismo el mismo arquitecto (basílica de San Lorenzo) sino también en otros ámbitos de la cultura que convertirían a Florencia en el centro del humanismo del siglo XV.
Análisis Personal:
Por medio de esta obra arquitectónica se observa un complemento al arte gótico, es una obra muy importante de la ciudad de Florencia, ya que sobresale de todo la ciudad, es una obra donde juegan los colores del blando de las nervaduras con el rojo de los ladrillos, logrando así convertirse en un símbolo ciudadano de la nueva época.
Rafael Alberti
Biografía
El italiano Leon Battista Alberti fue, además de arquitecto, el primer teórico del arte del renacimiento.
Nació en Génova el 14 de febrero de 1404. Era hijo de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y banqueros. Recibió una esmerada formación en la escuela de Barsizia (Padua) y en la Universidad de Bolonia. Estudió griego, matemáticas, ciencias físicas, filosofía, música, pintura y escultura. Sus primeras obras las realizó para la familia Rucellai en Florencia. Sus edificios están considerados como los ejemplos más sobresalientes de la arquitectura renacentista.
Destaca más su actividad como teórico que como constructor, ya que proyectaba todos los elementos al detalle, pero nunca participaba en la construcción de sus edificios.
Obra
Palacio Rucellai (1445-1451), Florencia.
Análisis Compositivo:
Divide la fachada en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido horizontal, aunque estas divisiones horizontales no coinciden con la altura real de las plantas. Para romper la horizontalidad introduce una serie de pilastras verticales en las que emplea la superposición de órdenes clásicos. Con ello consigue, además, un interesante juego de luces y sombras.
El palacio se convirtió en un modelo a seguir en las sucesivas construcciones de residencias señoriales.
Análisis Histórico:
Es su primer encargo arquitectónico importante en Florencia. Dispone el palacio en torno a un patio central, siguiendo la disposición de la típica domus romana, y se centra en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más novedosas.
Análisis Personal:
La obra de Rafael Alberti es muy buena e interesante, él también se basó mucho en el rectángulo lo que hace que su obra tenga, muy buena impresión hace el punto de vista de uno él se basó en Miguel Ángel, en sus obra le ayuda las leyes de la perspectiva central y las matemáticas a que sus obras sean impresionantes.
Donato Bramante
Biografía
Nacio en Roma, Monte Asdruvaldo, actual Italia, 1514) Arquitecto y pintor italiano. Fue el mayor arquitecto del Renacimiento italiano, a caballo entre los siglos XV y XVI, heredero de Brunelleschi y Alberti, En 1499, tras la caída de Ludovico el Moro, se trasladó a Roma, donde trabajó principalmente al servicio del papa Julio II. Pintor y arquitecto autor del impactante Cristo a la columna y, sobre todo en la construcción de Santa Maria presso San Satiro.
Obra
Templete de San Pietro in Montorio en Roma
Análisis Compositivo:
Consta de dos pisos al incluir, bajo el suelo del patio, una cripta circular que cubre la roca del martirio del Apóstol, y sobre ella campea airoso un edículo cilíndrico, rodeado por una columnata de orden toscano con triglifos en el friso entre metopas con bajorrelieves alusivos a la vida de San Pedro. Se inspira indudablemente en los tholoi griegos de Epidauro, Delfos y Olimpia, o en los más cercanos templos romanos circulares de Vesta o la Sibila. El cilindro adopta por encima de la balaustrada aspecto de tambor con ventanas abiertas o ciegas con conchas de gallones, y termina en cúpula semiesférica con esfera y cruz. Aunque no se lo rodeó de un patio circular, como sabemos por el grabado de Serlio quiso Bramante, sino rectangular, el Templete produce a pequeña escala diáfana impresión de monumentalidad clásica, en la que los ascendientes grecorromanos se sueldan en armónica concordatio con la rememoración cristiana.
Análisis Histórico:
Fue levantado por deseo de los Reyes Católicos hacia 1502 para conmemorar el lugar donde San Pedro habría sufrido martirio, su más famosa obra (de época romana existe una construcción anterior, el claustro de la iglesia de Santa María de la Paz, en la cual continúa con la depuración estilística iniciada en Milán, y las posteriores vaticanas inacabadas). Este templete es el considerado punto de partida del estilo romano renacentista y perfecto ejemplo de la asimilación y superación de la herencia clásica de la Antigüedad. Supone, además, una muestra perfecta de la arquitectura bramantesca por su sentido de la elegancia y monumentalidad (aunque es un templo de pequeñas dimensiones), su estructura clásica y ordenada, el empleo de una planta centralizada y el austero exterior desprovisto de artificio alguno.
La obra de Bramante se convertirá en un referente de la arquitectura humanística a la consecución de la cual se habría aspirado durante todo el Renacimiento, fruto tanto de su ingenio innato como del estudio de tratados, obras y procedimientos al cual se dedicó con verdadero ahínco a lo largo de su vida.
Análisis Personal:
Bramante está considerado uno de los grandes genios artísticos del alto renacimiento italiano. Consiguió fundir con éxito los ideales de la antigüedad clásica y los de la cristiandad, al tiempo que su grandeza, su expresividad y su dramatismo espacial fueron los cimientos del barroco del siguiente siglo. Su estilo clásico, junto al de su discípulo Rafael, ilumina la obra de Baldassare Peruzzi, Giulio Romano, Iacopo Sansovino y la familia Sangallo, los arquitectos que dieron forma al nuevo esplendor de la ciudad eterna.
Andrea Palladio
Biografía
Andrea di Pietro, mejor conocido como Palladio, fue un verdadero teórico de la arquitectura, en 1570 publicó un tratado titulado Los cuatro libros de la arquitectura. Como arquitecto realizó la fachada de la Basílica de Vicenza, conocida como el Palacio de la Razón, la Villa Rotonda o Villa Capra, en Vicenza, la Iglesia El Redentor en Venecia. Su obra ha llegado a ser una de las más influentes de toda la Edad Moderna, por la formulación de una tipo de edificio singular, la villa y de un lenguaje arquitectónico reiteradamente utilizado.
Obra
Iglesia El Redentor
Análisis Compositivo:
En la iglesia del Redentor, siguiendo a rajatabla las normas de la simetría y de la proporción que él mismo definió en su tratado de arquitectura, Palladio fue capaz de hacer convivir en perfecta armonía las líneas rectas de la nave con los espacios curvos que rematan tanto los brazos del crucero como la cúpula. En la fachada, terminada según su proyecto poco después de su muerte, de nuevo se combinan los frontones clásicos que, en líneas diagonales, rompen la monotonía vertical y horizontal de entablamentos y pilastras.
Análisis Histórico:
En el verano de 1575 se desató en Venecia una terrible epidemia de peste que en dos años provocó 50.000 muertes, casi un veneciano de cada tres. En el mes de septiembre de 1576, cuando el mal parecía invencible, el Senado pidió la ayuda divina formulando el voto de realizar una nueva iglesia dedicada al Redentor. Rápidamente se escogió entre diversas opciones y en el mes de mayo de 1577 se colocó la primera piedra sobre un proyecto de Palladio. El 20 del mes de julio sucesivo se festejó el final de la peste con una procesión que llegó a la iglesia a través de un puente de barcas, dando inicio a una tradición vigente todavía hoy.
Análisis Personal:
Con ésta obra Palladio, nos muestra un nuevo estilo, es una obra magistral, que integra varios elementos que hacen que su obra arquitectónica sea única, mediante un juego de formas y superposición de volúmenes que dibuja Palladio, da lugar a uno de los diseños más vistosos y originales que podamos encontrar.
• https://es.wikipedia.org/wiki/Filippo_Brunelleschi
• https://es.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti
• http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bramante.htm
• www.arteespana.com/andreapalladio.htm
• www.biografiasyvidas.com/biografia/p/palladio.htm
Pintura
Masaccio
Biografía
Nacio en San Giovanni Valdarno, actual Italia, 1401-Roma, Pintor. La carrera artística es sorprendente por la relación entre la brevedad de su vida (murió a los veintisiete años) y la importancia, además de relativa abundancia, de sus creaciones, y segundo, por su aportación decisiva al Renacimiento, ya que fue el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica.
Obra:
Adán y Eva expulsados del Paraíso (1406-1469)
Análisis Compositivo:Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. El patetismo de la escena se acentúa con el grito doloroso de Eva y el vientre contraído de Adán, que toma aire. La pareja se asienta firmemente sobre el terreno, sobre el que se proyectan las sombras de la violenta iluminación que modela los cuerpos, los gestos están cargados de expresionismo. Adán llorando se cubre los ojos con la mano, en signo de vergüenza mientras que Eva se cubre con los brazos y grita, en señal de dolor.
Sus figuras son solemnes, macizas y corpóreas, tan rotundas como estatuas antiguas, al tiempo que ocupan un espacio lógico, donde la luz sirve a los efectos dramáticos.
Análisis Histórico:
La ciudad de Florencia, a menudo considerada la cuna del Renacimiento, a comienzos del siglo XV vio nacer a un destacado grupo de artistas que llevaron a cabo una revolución estilística para lo que vendría después. Masaccio en pintura fue un personaje de los más influyentes, dotando a sus obras un nuevo naturalismo.
Análisis Personal:
La escena que está presente en esta obra de Masaccio es muy clara, se puede observar a dos personas que están sufriendo mucho y están siendo obligados a salir de algún lugar, en el rostro de la mujer es más claro la desesperación y dolor, mientras que el hombre tiene más una postura de arrepentimiento y vergüenza. En esta pintura juega mucho el paisaje en el que se desarrolla la escena.
Paolo Uccello
Biografía
Nació en Pratovecchio, actual Italia en 1397 – Florencia, muere en 1475. Pintor italiano. La primera noticia documental que se tiene de Paolo Uccello es de 1412 y lo sitúa en el taller de Ghiberti, donde debió de formarse, aunque no consta que fuera escultor. Su primera obra maestra corresponde al año 1436: el enorme fresco para la catedral de Florencia en el que representó al condotiero Giovanni Acuto.
Obra
Frescos de El diluvio, La creación de Eva y El pecado original en Santa María Novella
Análisis Compositivo:
El efecto fantástico está acentuado incluso por el uso de cielos y fondos oscuros, sobre el que resaltan luminosas las figuras, bloqueadas en posiciones antinaturales.
Análisis Histórico:
Los frescos de El diluvio, La creación de Eva y El pecado original en Santa María Novella, se encuentran situados en la ciudad de Florencia – Italia. La misma dos escenas, la primera la creación de los dos personajes principales en el antiguo testamento y la segunda el pecado original de los mismos.
Análisis Personal:
La característica más aparente de las obras de madurez de Paolo Uccello es la atrevida construcción en perspectiva. A diferencia de Masaccio, esa perspectiva no le sirve para proporcionar un orden lógico a la composición, dentro de un espacio finito y mensurable, sino más bien para crear escenografías fantásticas y visionarias, en espacios indefinidos. Su horizonte cultural quedó siempre ligado a la cultura tardogótica, aunque interpretada con originalidad.
Fra Angelico
Biografía
Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello y nació en Vicchio (región de Toscana). En 1418 ingresó en un convento dominico en Fiésole y alrededor de 1425 se convirtió en fraile de la orden con el nombre de Giovanni da Fiesole. Aunque se desconoce quién fue su maestro, se cree que comenzó su carrera artística como iluminador de misales y otros libros religiosos. Después empezó a pintar retablos y tablas. Murió en el convento dominico de Roma el 18 de febrero de 1455.
Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o Fray Juan de Fiésole O.P
Obra
La Anunciación (Museo del Prado de Madrid).
Análisis Compositivo:
Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra.
Análisis Histórico:
La obra realizada por Fra angelina, beatizado por el Papa Juan Pablo II, es una obra de unos parajes bíblicos más reconocidos a nivel mundial otorgándole un realismo único, al igual que las expresiones en los rostros pintados dan un concepto de dulzura a sus creaciones.
Análisis Personal:
Muy bien llevado con las autoridades religiosas cristianas le dio un paso para crear obras en ese ámbito o tópico lo que le llevo a ser uno de los artistas pintores más reconocidos en esa área.
Sandro Boticelli
Biografía
Nació en Florencia, en una familia humilde y su nombre fue Alessandro di Mariano di Vann Filipepi. Botticelli quiere decir tonelete, y era en realidad el apodo de uno de sus hermanos, de notable gordura. Inició su aprendizaje en el talle de Filipo Lippi.
Obras: la fortaleza, el Regreso de Judith a Bentulia, Epifanías, La Madonna del Magnificat, El nacimiento de Venus, la Alegoría de la primavera y La anunciación. En 1481, el Papa Sixto IV requirió su presencia para que trabajara en la decoración de la Capilla Sixtina. Es uno de los pintores más reconocidos del Quattrocento.
Obra
El nacimiento de Venus (1445-1510)
Análisis Compositivo:
Como la diosa de la salud sexual, estaba justificado cierto grado de belleza erótica en sus retratos, que resultaba atractivo para muchos artistas y sus mecenas. Con el tiempo, llegó a aludir a cualquier representación artística de una mujer desnuda en el arte posclásico, incluso si no había indicios de que se tratase de la diosa.
Análisis Histórico:
El poder político en la Italia del siglo XV está fragmentado en distintos Estados. En Florencia, la autoridad reside en el signore, un burgués que posee una dimensión más material y menos idealista del mundo. La creación artística queda impregnada de paganismo. Así aparecen nuevos temas como, la mitología y la historia grecorromana, aunque, tras los episodios de la Antigüedad, es necesario buscar los acontecimientos contemporáneos que se ocultan bajo este barniz clásico.
Análisis Personal:
Al observar esta pintura de Botticelli, la primera idea que tengo, es de una mujer que está parada sobre una concha y que está siendo venerada, el paisaje en el que se encuentra es el mar, está rodeada de tres personas que están observando la belleza de esta mujer.
Andrea Mantegna
Biografía
(Isla de Carturo, ca. 1431 – Mantua, 13 de septiembre de 1506) fue un pintor cuatrocentista italiano.
También antes de los 30 años realiza el San Sebastián en Viena, explotando su fama por toda Italia. Tras una estancia en Roma a las órdenes del Papa Inocencio VIII para restaurar distintas obras, regresa a Mantua para comenzar (entre 1489 y 1490) la serie de lienzos de Los triunfos del César (conservada en el palacio de Hampton Court en Gran Bretaña) y Parnaso (1497) encargado por Isabel de Este.
Obra
El Retablo de san Zenón
Análisis Compositivo:
Es un tríptico del pintor renacentista italiano Andrea Mantegna. Realizo varias obras para los religiosos católicos por lo que realizo a su vez muchas obras para el vaticano y sus iglesias de los alrededores, fue muy conocido en su época por sus tópicos religiosos de gran calidad.
Análisis Histórico:
Se encuentra ubicado en la Basílica de San Zenón, la principal iglesia de Verona. Las tres predelas fueron saqueadas por los franceses en el año 1797, y actualmente están reemplazadas por copias. Los originales se encuentran actualmente en el Louvre (Crucifixión) y en el museo de Tours.
Análisis Personal:
Se puede observar claramente que la virgen sostiene en su brazo izquierdo al niño Jesús y en su brazo derecho estirado tiene en la mano un objeto de oro, al mismo tiempo se observa a sus espaldas el realce del dorado que están sujetando unos ángeles pequeños, y a sus pies están dos ángeles tocando el arpa y el charango respectivamente.
Leonardo Da Vinci
Biografía
Fue un pintor italiano nativo de Florencia. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal.
Obra
La Gioconda
Análisis Compositivo:
La técnica utilizada es óleo sobre una tabla de 77 x 53 cm.
La composición está formada por dos planos, la Gioconda que forma una composición triangular y el paisaje.
La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles.
Utiliza colores ocres para las sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. Para el paisaje utiliza el negro, tonalidades de marrón y gamas de azules, difuminando el color para marcar la lejanía y proximidad del paisaje, que se percibe pero no se determina.
Hace un uso sombrío de la luz tanto en el retrato como en el paisaje. Progresa desde el fondo, se concreta en la transparencia de los velos, en los pliegues del vestido, entre los cabellos, y resbala sobre el rostro y las manos haciendo sentir bajo la piel diáfana, el pulso de la sangre.
Análisis Histórico:
El título oficial de la obra es Gioconda, que se justifica debido a que Giocondo era el apellido del esposo de la retratada, Lisa Gherardini.
Este título aparece documentado por vez primera mucho después de la muerte de su autor, por lo cual no pudo ser Leonardo quien le pusiese dicho título; por otro lado, se sabe que Leonardo no acostumbraba titular sus obras.
Con respecto al nombre de Mona Lisa, más usado en fuentes anglosajonas, Monna es el diminutivo en italiano de Madonna, que quiere decir mi señora. De cualquier manera, el nombre más popular en Italia es Gioconda.
Análisis Personal:
Al observar este paisaje podemos ver el rostro joven de una mujer de manera natural sus facciones con paisaje de fondo que es como unas vías y un lago sentada de forma sutil con su mano en su vientre predominado los tonos claroscuro, delicada gradación de la luz que otorga una gran naturalidad.
Miguel Ángel
Biografía
Nace el 6 de marzo de 1475 y muere el 18 de febrero de 1564, conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.6 La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
Obra
La creación de Adán
Análisis Compositivo:
El fresco se divide en dos partes: a la izquierda está Adán, desnudo e inmóvil; parece no tener fuerzas y sólo puede apenas estirar un poco el brazo y levantar el dedo para hacer contacto con su Creador.
Precisamente es Dios quien se encuentra del lado derecho de la obra. Lo acompañan algunos ángeles y querubines cubiertos por lo que parece ser un manto que simula una concha. Dios está estirando su brazo y juntando su fuerza en su dedo para transmitirle vida al ser que acaba de crear
Análisis Histórico:
Miguel Ángel es la segunda, cronológicamente, gran figura. Fundamentalmente escultor, se dedicó a la pintura de forma esporádica, a petición de algunos admiradores de su obra, sobre todo el papa Julio II. Los frescos de la Capilla Sixtina muestran el atormentado mundo interior de este artista, poblado de figuras monumentales, sólidas y tridimensionales como si fueran esculturas, y de llamativa presencia física. En su obra cobra mucha importancia el desnudo, aun cuando la casi totalidad de la misma fue hecha para decorar iglesias.
Análisis Personal:
Del lado izquierdo de la obra aparece Adán estirando su brazo para tocar el dedo de otro personaje, que se encuentra flotando en el cielo junto con unos ángeles. La figura de la izquierda se encuentra dentro de un plano de encierro en forma de triángulo rectángulo y los demás del lado derecho en la parte superior de la obra se encuentran dentro de un rombo con fondos de paisajes tonos más cálidos y sus cuerpos perfectamente estructurados La temática acá parece ser más religiosa, y en un lugar más iluminado.
Rafael Zancio
Biografía
Nace el 6 de abril de 1483 y muere en Roma el 6 de abril de 1520[], también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Obra
Madonna del cardellino
Análisis Compositivo:
En esta pintura, Rafael colocó las tres figuras la Virgen María, el Niño Jesús a la derecha y san Juanito dentro de un dibujo geométrico. Aunque las posiciones de los tres cuerpos son naturales, juntos forman un triángulo prácticamente regular.
La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae Asiento de la Sabiduría El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro.
La influencia leonardesca se evidencia en muchos rasgos de la obra, como la estructura piramidal y el claroscuro. También se nota en la oscuridad del terreno y del tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en las brumas del horizonte. Los rostros del Bautista y de Cristo tienen una impronta inconfundiblemente leonardesca en el esfumado que les rodea y en los rasgos somáticos.
Análisis Histórico:
La Virgen del jilguero en italiano Madonna del cardellino es una pintura del artista renacentista italiano Rafael Sanzio, datada hacia 1505. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 107 centímetros de alto y 77 cm. de ancho. Se conserva en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.
Análisis Personal:
Al mirar la imagen podemos ver la calidez de los rostros y la paz que transmiten también podemos observar la perspectiva en el paisaje con tonos más claros y la proporción de los cuerpos de los niños de manera perfecta dando un realismo a la figura de tal manera que la imagen se complemente y se pueda ver armónica.
Tiziano
Biografía
Conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, 1477 - Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.
Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa.
Obra
Flora
Análisis Compositivo:
Este gesto de Flora desconcierta a los especialistas, que no saben cómo interpretar exactamente el asunto, si como una prostituta que ofrece sus servicios a los clientes o como una alegoría matrimonial, al mostrar parte de un pecho y ocultar el otro, aludiendo a la mezcla de "voluptas y puditicia" que caracteriza, según la ideología renacentista, a la desposada.La luz dorada y el color se adueñan de la composición, recortando la figura ante un fondo neutro y oscuro con el que dota de mayor volumetría al conjunto. El excelente dibujo empleado por el maestro destaca la riqueza de las telas o el detallismo de las flores, elementos que identifican este trabajo con el aprendizaje seguido con Bellini. La belleza sensual de Flora con su cabello dorado, su delicada piel y su expresivo gesto hacen de esta obra un auténtico retrato, que podía vincularse con las obras que Paris Bordone realizará a las prostitutas venecianas durante el Cinquecento.
Análisis Histórico:
Junto a los retratos realizados por Tiziano en la década de 1510 -el Hombre de azul, el Ariosto o la Schiavona- también encontramos un grupo de obras que tiene a la mujer como protagonista. Entre este grupo destaca Flora, una bella y sensual figura femenina que porta en su mano derecha unas flores mientras que con la izquierda sostiene el elegante manto carmesí, dejando al descubierto parte de sus encantos.
Análisis Personal:
Puede aventurarse, por tanto, que estamos ante un retrato matrimonial, como es el caso de la famosa Venus de Urbino, destinado quizás a una novia joven a la que se pretende iniciar en los secretos y los placeres de la vida matrimonial, ofreciéndole un modelo, culturalmente inatacable gracias a su travestismo mitológico.
Tintoreto
Biografía
De nombre verdadero Jacopo Comin (Venecia, 29 de septiembre de 1518- Venecia, 31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano. En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante vigorosa.
Obra
Última cena
Análisis Compositivo:
Comparar esta obra con La Última Cena de Leonardo demuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento. En la obra de Leonardo, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.
El tono es resueltamente barroco.
Análisis Histórico:
Sus obras de mayor alcance son las que realizó entre 1565 y 1587 para la Scuola de San Rocco, que se conservan in situ. Son una serie de escenas de la vida de Cristo en la planta superior y de la vida de la Virgen en la inferior, interpretadas con un gran sentido decorativo y una viveza cautivadora.
Análisis Personal:
El artista decide encaminar sus pasos hacia la pintura y, según narran sus biógrafos, entra como aprendiz en el taller de Tiziano. Este dato está considerado por los estudiosos actuales como poco probable. Parece más razonable que el artista aprendiese la difícil técnica de la pintura del siglo XVI en algún taller veneciano. Por tanto, entre los datos biográficos que se desconocen del pintor, se puede incluir éste. La imaginaria de los viejos biógrafos ha sustituido este vacío con la figura del más importante pintor contemporáneo de Tintoretto, Tiziano.
Fuentes:
• www.artehistoria.com/v2/personajes/2674.htm
• www.epdlp.com/pintor.php?id=411
• https://es.wikipedia.org/wiki/Fra_Angelico
• www.sandrobotticelli.net
• www.arteespana.com/andreamantegna.htm
• www.leonardodavinci.net
• www.samuelmiranda.com.mx
• en.wikipedia.org
• www.nationalgallery.org.uk
• www.nationalgallery.org.uk
Escultura
Donatello
Biografía
(Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir “relieve aplanado o aplastado”.
Obra
San juan el evangelista
Análisis Compositivo:
Donatello, partiendo de los supuestos del gótico establece un nuevo ideal inspirado en la grandeza clásica. Suyo es el mérito de rescatar el monumento conmemorativo público utilización heroica del desnudo y la intensa humanización de las figuras, llegando al retrato en ocasiones, pero sin abandonar nunca una orientación claramente idealista. La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos del Renacimiento con la perfección que había tenido durante el periodo clásico. A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad. Esta herramienta se empleaba tanto si se hacía la escultura en talla directa
Análisis Histórico:
San Juan Evangelista es una escultura de mármol de Donatello (210x88x54 cm) esculpida paran la antigua fachada del Duomo de Florencia y en la actualidad se conserva en el Museo dell'Opera del Duomo. Data de 1409-1411 y fue el modelo más directo para el Moisés de Miguel Ángel.
Análisis Personal:
Es una escultura hecha de mármol donde se pude ver la imagen de san Juan evangelista con un rostro muy serio su vestimenta con los pliegues que dan un toque de movimiento está sentado y en su brazo se puede ver un libro que representa la sagrada biblia y se pueden observar sus pies y la proporción del cuerpo de le escultura que todavía tiene imágenes religiosas
Andrea Verrocchio
Biografía
Conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.
Obra
Cristo y Santo Tomás, Orsanmichele, Florencia.
Análisis Compositivo:
Buen uso de los materiales,como piedra, bronce. Obsequia al visitante y admirador de la obra una sensación de que la misma posee movimiento, volumen y simetría otorgándole un realismo impresionante. Sus primeros esfuerzos en pintura datan probablemente de los años 1460, cuando trabajó en Prato junto a Filippo Lippi.
Análisis Histórico:
Se le consideraba el pintor más influente de Florencia de su período.
Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel.
Análisis Personal:
Fue la única pintura firmada de Verrocchio es la Virgen con Niños y Santos, en la catedral de Pistoia. Parece que se inspiró en sus obras para los temas a tratar más que en cuanto a las tendencias estilísticas, y con un orfebre, del que heredó el gusto artesanal aplicado al tratamiento de sus obras escultóricas.
Luca Della Robbia
Biografía
Escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.
Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no sólo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.
Obra
Cúpula interna de la capilla Pazzi
Análisis Compositivo:
Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre presentes en su obra. En la Cúpula interna de la capilla Pazzi, en cerámica esmaltada, buscó la fórmula para de conservar su Análisis de la Obra: de barro cocido, que el sobrino del artista y los hijos de éste continuaron con esta misma técnica.
Análisis Histórico:
Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras una vez que las mismas están acabadas, sueña que encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del tiempo, después de haber experimentado con cantidad de cosas, descubre, por fin, que recubriéndolas con una mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y mixturas cocidas en un horno especial, se obtiene un efecto eficaz para conservar la obra de barro casi eternamente.
Análisis Personal:
En definitiva, Luca Della Robbia es un gran artista y ha pasado a la Historia del Arte como uno de los más grandes artistas de la terracota y la cerámica, uniendo estas disciplinas a la escultura.
Giovanni Bellini
Biografía
También conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 - Venecia, 1516 ) fue un pintor cuatrocentista italiano. Probablemente sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.
Obra
El festín de los dioses
Análisis Compositivo:
En primer término se ve a los dioses del Olimpo dándose un festín. La escena representa juntos dos episodios de la obra de Ovidio Fastos. Príapo, a la izquierda, está intentando seducir a la ninfa durmiente Lotis, pero se lo impide el rebuzno del asno de Sileno. Alrededor se encuentran los dioses borrachos: Júpiter tiene un águila cerca de él, Poseidón está acariciando a Cibeles y Ceres, mientras Hermes está languidamente estirado sobre un tonel. El chico con hojas de parra en la cabeza es una representación inusualmente joven del dios Baco. Se cree que Bellini inicialmente pintó a las figuras como mortales, siguiendo una traducción errónea de Ovidio (el llamado Ovidio volgarizzato), y tuvo que repintarlas con los atributos de los dioses olímpicos.
La luz es delicada y tierna, el paisaje del fondo está dominado por árboles frondosos.
Análisis Histórico:
Es una de las pocas pinturas mitológicas del artista veneciano. Evidencia así cómo, al final de su vida, Bellini contribuyó a la creación de las nuevas corrientes renacentistas, mostrando la misma monumentalidad y cualidades pictóricas que las obras de sus jóvenes contemporáneos.
Análisis Personal:
Aunque sus contemporáneos apreciaron a Giovanni Bellini como un gran pintor, su vida está relativamente poco documentada; numerosas obras suyas de capital importancia carecen de un encuadramiento definitivo por la escasez de datos seguros.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco
Biografía
Más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto; h. 1477 - Venecia, 1510), pintor italiano, representante destacado de la escuela veneciana.
Giorgione es conocido por la poética calidad de su trabajo y por el hecho de que se conoce con certeza la autoría de muy pocas de sus obras (aprox. 6), entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Esto unido a la escasez de datos biográficos e incógnita sobre el significado de su pintura, lo han convertido en uno de los pintores más misteriosos de la Historia del arte.
Obra
Los tres filósofos
Análisis Compositivo:
Ubicado en el centro de la trayectoria estilística del maestro de Castelfranco. Las tres figuras se insertan a la perfección ante la naturaleza, recibiendo un potente foco de luz que resalta las tonalidades de sus vestimentas y crea una sensación atmosférica en sintonía con el "sfumato" de Leonardo. La disposición de las figuras en el espacio es muy acertada, situándolas en diferentes planos mientras que el punto de fuga se halla en el paisaje, diferente al quattrocentista en tanto en cuanto se acerca más a la realidad y se intenta representar la naturaleza tal y como es. La poesía que el maestro aporta al paisaje estaría en relación con su elevada cultura, estrechamente relacionada con el neoplatonismo por lo que algunos especialistas interpretan esta escena como una alegoría de las tres edades del hombre, mientras otros críticos consideran que estamos ante un tema menos profano al apuntar a los tres Reyes Magos, que hacen sus cábalas para encontrar la estrella que les guiará al Niño Jesús.
Análisis Histórico:
A través del tiempo algunos historiadores han realizado interpretaciones de la obra en las que se identifica a los tres personajes representados con astrónomos, geómetras, matemáticos e incluso los Reyes Magos. Existen alrededor de quince interpretaciones;5 sin embargo, no se ha podido determinar cuál de estas hipótesis es la correcta.
Otra de las propuestas del significado de la obra es la de Hubert Janitschek, quien identifica a los personajes con las distintas edades del pensamiento, más claro al anciano lo asocia con la filosofía antigua, el hombre en edad madura con la filosofía medieval y al joven con la filosofía renacentista.
Análisis Personal:
Un papel de primer orden desempeña también el paisaje en otra de las grandes creaciones de Giorgio, los tres filósofos, una pintura de significado incierto en la que resulta muy innovador el que la pincelada se orienta casi exclusivamente a la creación de efectos cromáticos. Obras de atribución segura son también el retrato de Laura y Venus dormida.
Alberto Durero
Biografía
Alberto Durero (en alemán: Albrecht Dürer) (Núremberg, 21 de mayo de 1471 - Núremberg, 6 de abril de 1528)[1] es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.
Obra
Adán y Eva, 1507.
Análisis Compositivo:
Las figuras están realizadas a un tamaño algo mayor que el natural. Durero maneja los escorzos con maestría, como podemos ver en el brazo izquierdo de Adán o en los brazos de Eva y aplica el canon de Lisipo a las figuras. (La altura del cuerpo equivale a ocho veces la de la cabeza). Pero los ecos de la escultura clásica no acaban aquí ya que vemos como Durero emplea la clásica postura del contraposto (con la figura de Adán apoyándose en su pierna izquierda a la vez que la derecha se flexiona ligeramente y la figura de Eva sosteniéndose en su pierna derecha mientras que la izquierda se dobla y cruza graciosamente tras ella). Asimismo, el de Adán es un cuerpo robusto, vigoroso pero armónico que también puede evocarnos las figuras de Lisipo., mientras que el de Eva es un cuerpo igualmente armónico pero sensual y grácil. De este modo, las figuras además de referirse al tema bíblico que las inspiró, con la alusión al pecado simbolizado por las manzanas (la que la serpiente ofrece a Eva y la que sostiene Adán), parecen constituirse como un nuevo canon y en símbolo de esa cultura humanista que deriva hacia cierto antropocentrismo.
Análisis Histórico:
El tamaño de cada tabla es de 209 cm x 80 cm aproximadamente.
Sobre un fondo neutro negro se recortan las figuras pintadas en cálidos tonos carnosos y apoyados en un suelo de tonos terrosos. Una iluminación difusa baña el conjunto creando un leve claroscuro que modela perfectamente las figuras generando una sensación de volumen que se acrecienta al recortarse las figuras sobre el fondo negro antes mencionado.
Análisis Personal:
Los colores, así como el claroscuro empleados son ligeramente más intensos en la figura de Adán que en la de Eva, tratada con unos tonos algo más claros que reproducen perfectamente la morbidez de la piel femenina. La restauración recientemente aplicada a los cuadros, además de restituir su apariencia original y reparar sus desperfectos, ha ofrecido interesantes datos acerca del procedimiento pictórico empleado por Durero. Así, podemos saber que la menor intensidad del color de la piel de Eva es debida a que el pigmento rojo empleado en su piel es de grano más fino (proveniente de una molienda más intensa) que el de la piel de Adán.
En la superficie pictórica se emplea una mayoría de pinceladas que se funden cuidadosamente, combinándose con suaves veladuras y leves empastes para remarcar las luces de la piel o en los rizos del cabello de Adán.
Matthias Grünewald
Biografía
Matthias Grünewald, originalmente Mathis Gothardt (hacia 1470, Wurzburgo, actual Alemania - † 31 de agosto de 1528, Halle) fue un pintor e ingeniero hidráulico alemán renacentista. Pintó principalmente obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión sombrías y llenas de dolor. El carácter visionario de su obra, con sus expresivos color y línea, contrasta con la obra de su contemporáneo Alberto Durero. Sus pinturas son conocidas por sus formas dramáticas, colores vívidos y el tratamiento de la luz.
Obra
Jardín del Edén
Análisis Compositivo:
En la tabla izquierda se encuentra el Jardín del Edén, aparece Dios, en la forma de Jesucristo con Adán y Eva, al lado se encuentra el árbol del bien y del mal (una palmera) con el Diablo enrrollado en forma de culebra y en el centro la fuente de la vida.
Al centro del jardín hay un lago, "el baño de Venus", que simboliza posiblemente la fuente de la etena juventud, a su alrededor hombres y mujeres cabalgan sobre animales.
En la tabla derecha, el infierno. La raza humana ha destruido el Paraíso y sólo con grandes dificultades es capaz de lograr la salvación.
Análisis Histórico:
El Bosco destacó como pintor en su época y recibió muchos encargos, incluso Felipe II de España adquirió muchísimas de sus obras que actualmente se encuentran en el Museo del Prado.
Su obra es una crítica religiosa, retrata la oscuridad del alma y de una forma irónica da un mensaje moralista, la condena eterna en el Infierno por los pecados cometidos. Se valió de las fuentes de las costumbres populares para plasmar la debilidad humana, las tentaciones, la ignorancia, la peste, la guerra...
Análisis Personal:
Sus obras se encuentran recargadas del personajes y alegorías sobre el pecado y el Infierno; al final sus cuadros tienen pocas figuras pero de gran tamaño. No obstante sus personajes continúan teniendo algo de caricaturas, con abundante sarcasmo e imaginería.
Lucas Cranach
Biografía
Lucas Cranach el Viejo (en alemán, Lucas Cranach der Ältere) (Kronach, 1472 – Weimar, 16 de octubre de 1553) fue un artista alemán, pintor y diseñador de grabados en xilografía. El apellido real de este pintor hubo de ser Sünder (escrito también Sunder, Sonder y Süündä). Es padre del también pintor Lucas Cranach el Joven (1515-1586).
Obra
Cacerías en Torgau.
Análisis Compositivo:
Utiliza un punto de vista llamado topográfico, y que se empleaba normalmente para realizar vistas de emplazamientos con objeto de que sirvieran como mapa. De esta manera, el ojo del espectador de la cacería se sitúa por encima del bosque, de tal manera que el horizonte terrestre se eleva, ocupando la mayor parte de la imagen para dar mayor espacio al desarrollo de los acontecimientos.
Análisis Histórico:
Esta tabla, que se acompaña por otra de similar tamaño y temática, fue pintada por Lucas Cranach en honor a las cacerías que se celebraron en el castillo de Torgau en honor de Carlos V, emperador de España y Alemania, que estaba de visita en aquellos dominios. La pareja fue heredada por Felipe II de su tía María, reina de Hungría y hermana del emperador.
La escena actúa como una crónica minuciosa de lo acaecido en aquellos días. No narra las anécdotas de una jornada en concreto, sino que enumera con cuidado las pompas y agasajos que se hicieron al emperador, qué caballeros asistieron, qué métodos de caza se emplearon, cuáles fueron las piezas acosadas, etc.
Análisis Personal:
En medio del bosque, numerosas figuras, entre las que se pueden identificar las del propio emperador y sus cortesanos, se agitan en plena cacería.
Estas obras servían para inmortalizar eventos importantes, como era la visita de un gobernante a sus territorios, y se reproducían en innumerables grabados, para que el máximo número de personas tuviera conocimiento del hecho.
Hans Baldung
Biografía
Hans Baldung, también conocido como Grien o Grün (* 1484 o 1485 en Schwäbisch Gmünd; † Septiembre de 1545 en Estrasburgo), fue un pintor alemán del renacimiento, ilustrador y grabador discípulo de Albrecht Dürer, si bien conformó un estilo muy distinto y personal. Realizó numerosos pinturas en madera y diseños de vidrieras.
Obra
La Natividad.
Análisis Compositivo:
En efecto, podemos ver que los personajes se encuentran discretamente colocados al fondo del pesebre, ensimismados en el nacimiento, mientras que las ruinas del edificio ocupan la mayor parte de la superficie del cuadro, destacando con los contrastes de luz y sombra.
Análisis Histórico:
Baldung Grien fue uno de los artistas más expresivos del renacimiento alemán, junto a Durero y Matthias Grünewald. Es el autor de esta Natividad, protagonizada por la arquitectura y la proporción, más que por la historia sagrada.
Análisis Personal:
También destacan el buey y el asno, realizados a mayor escala que la real, en comparación con las proporciones de las figuras humanas. La luz que baña el espacio es de procedencia irreal, no natural, y uno de los focos lo constituye el propio Niño Jesús, que brilla e ilumina el rostro de San José. Al fondo un segundo episodio milagroso, la aparición del ángel a los pastores para anunciarles la llegada del Mesías.
Hans Holbein
Biografía
Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, 1497?[1] - Londres, entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543) fue un artista e impresor alemán que se enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico. Es conocido sobre todo como uno de los maestros del retrato del siglo XVI.[2] También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista, e hizo una significativa contribución a la historia del diseño de libro. Diseñó xilografías, vidrieras y piezas de joyería. Se le llama "el Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el Viejo, un dotado pintor de la escuela gótica tardía.
Obra
Los embajadores
Análisis Compositivo:
En el estante superior puede verse una esfera celeste, objetos de medición del tiempo y un libro, dispuestos sobre una alfombra roja con complicados motivos geométricos. En el estante inferior hay un globo terráqueo, dos libros, un laúd y cuatro flautas en un estuche. El plano posterior está ocupado por una cortina de terciopelo verde con un pliegue en la esquina superior izquierda que apenas permite ver un crucifijo, que a menudo no se ve en las reproducciones debido a su posición en el margen. El suelo está pavimentado con círculos y cuadrados, destacándose una forma difícilmente interpretable, pero que salta a la vista en tanto que parece que se halle fuera del espacio de la pintura; se ha llamado a menudo el hueso de sepia.
Análisis Histórico:
La pintura representa a Jean de Dinteville a la izquierda, embajador de Francia en Inglaterra en 1533, fecha de la realización del cuadro. A la derecha se encuentra su amigo, Georges de Selve, obispo de Lavaur, que ocasionalmente fue embajador ante el Emperador romano germánico, la república de Venecia y la Santa Sede. Ambos hombres, que observan al espectador de la obra, están acodados sobre un mueble con dos estantes sobre el que hay dispuestos varios objetos relacionados con el quadrivium, las cuatro ciencias matemáticas entre las siete artes liberales: la aritmética, la geometría, la música y la astronomía.
Análisis Personal:
La pintura parece, pues, que abunda en símbolos, indicaciones ocultas, referencias; todo esto cosas normales en la pintura del Renacimiento, que intentamos identificar, traer a la luz.
Pieter Brueghel
Biografía
Pieter Brueghel o Bruegel llamado el Viejo, /ˈpitəɾ ˈbɾøːxəl/ (Bruegel cerca de Breda o Brée, h. 1525 - Bruselas, 5 o 9 de septiembre de 1569) fue un pintor y grabador brabanzón. Fundador de una verdadera dinastía de pintores, es considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI, y el más importante pintor holandés de ese siglo. Con Jan Van Eyck, Jerónimo Bosco y Pedro Pablo Rubens, está considerado como una de las cuatro grandes figuras de la pintura flamenca.
Obra
La Torre de Babel.
Análisis Compositivo:
El centro del cuadro lo domina la torre a medio construir, dentro de un amplio paisaje panorámico. El pintor adopta un punto de vista muy alto. En la parte superior de la torre, la presencia de una nube simboliza la pretensión de que querían alcanzar con ella el cielo. La descripción de la arquitectura de la torre por Brueghel, con sus numerosos arcos y otros ejemplos de ingeniería romana hacen pensar de manera deliberada en el Coliseo que representaba para los cristianos de la época el símbolo de la desmesura y de la persecución.
Análisis Histórico:
Se trata de un óleo sobre madera de roble con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 154 de ancho. Fue ejecutada en el año 1563, su tema es la construcción de la torre de Babel que, según la Biblia, fue una torre construida por la Humanidad para alcanzar el cielo. Según el Génesis, Yahvécon fundió la lengua de los hombres, lo que les llevó a dejar la torre inacabada y a que se marcharan en todas direcciones. Es un tema que ya había sido tratado con anterioridad, desde los libros iluminados del siglo VI. Se retoma en el siglo XVI como símbolo del orgullo humano, advirtiendo de sus peligros, así como del fracaso de la racionalidad clásica frente a lo divino. Es así una alegoría del orgulloso imperio internacional de los Habsburgobasado sobre una fe unificada y del estado constituido por banqueros, ministros, clérigos, soldados y pensadores humanistas sicofantes sometidos a tal proyecto.
Análisis Personal:
Aunque a primera vista la torre parece constituida por una serie establece de cilindros concéntricos, un examen más atento demuestra la evidencia que algún piso no reposa sobre una verdadera horizontal; la torre está más bien construida como una espiral ascendente. Los arcos son sin embargo construidos perpendicularmente al suelo inclinado, lo que los hace inestables, algunos ya se aplastaron. Más inquietante puede ser el hecho de que los cimientos y los pisos inferiores de la torre aún no está acabados mientras que las capas superiores ya están construidas. El autor pintó otra obra con el mismo tema, La pequeña torre de Babel, hacia el año 1563, la cual se encuentra en el Museo Boymans-van Beuningen en Rótterdam.
Fuentes:
• www.biografiasyvidas.com
• www.nndb.com
• www.pinterest.com
• www.biografiasyvidas.com
• www.saleoilpaintings.com
• www.banrepcultural.org/durero/seccion/alberto-durero
• https://es.wikipedia.org/wiki/Lucas_Cranach_el_Joven
• https://es.wikipedia.org/wiki/Hans_Baldung#/media/File:Hans_Baldung_014
• https://es.wikipedia.org/wiki/Hans_Holbein_el_Joven
• es.wahooart.com
